LA ANIMACIÓN:
¿Qué es
Animación?
En el mundo multimedia (audio y vídeo) cuando
hablamos de "animación", nos referimos a lo que conocemos
popularmente como "dibujos animados".
La animación es el proceso que logra dar movimiento
a dibujos u objetos inanimados por lo general. Esto es posible gracias a una
secuencia de dibujos o fotografías que al estar ordenadas consecutivamente
logran generar un movimiento creíble ante nuestros ojos, los cuales se prestan
al juego de la ilusión visual. Por ejemplo si queremos generar la sensación de
una caminata en un personaje, deberíamos dibujar cada uno de los pasos que
realizará en hojas separadas (cada hoja dibujada con una pose distinta se
define o se conoce como "fotograma" o "frame") para que al
pasarlos consecutivamente, percibamos la sensación de movimiento. Figura 1.0
La calidad de este movimiento dependerá de la paciencia, esfuerzo y
dedicación que le dediquemos al proceso.
Todo el proceso antes explicado es el procedimiento
básico para desarrollar la tarea, sin embargo animar es algo más que eso, ya
que si profundizamos más en la palabra "animar" encontraremos que su
origen parte del latín: "Anima" cuyo significado será
"Alma". Por lo tanto podríamos decir que Animar es dotar de Alma a
dibujos o elementos que no la tienen.
Darle alma a un objeto es un trabajo que tiene mucho
más que ver con un proceso artístico que mecánico. La animación parte de la
observación de los seres vivos que nos rodean. Esta observación nos permitirá a
los animadores darle un toque más real, más humano a elementos tan simples como
un cuadrado, un logotipo, un personaje creado o hasta una lámpara de
escritorio. (pixel creativo, 2012)
TIPOS DE ANIMACIÓN
1- Dibujos
Animados o Animación Tradicional:
Consiste en dibujo cuadro a cuadro o fotograma a fotograma.
En sus inicios se realizaba a través del dibujado y pintado de cada cuadro
(incluido el fondo, escenario o background de la animación), para luego ser
filmado en una cinta de película.
En la década de 1910, se agiliza el proceso al
aparecer la animación por celdas, inventada por Bray y Hurd, la cual consistía
en usar laminas trasparentes (conocidas como acetato), en las que se animaban
los personajes sin tener que pintar el fondo en cada fotograma.
En la actualidad se utilizan diversos medios
digitales.
2- StopMotion:
Técnica de animación que no entra en la categoría de
dibujo animado. Consiste en aparentar los movimientos de objetos estáticos,
capturando fotografías cuadro por cuadro o movimiento por movimiento. Figura
1.2
Se divide en :
- Animación de plastilina o claymotion (material
maleable). Figura 1.3
- Animación de objetos rígidos.
3- Pixelación:
Variante del stop-motion en la que los objetos no
son ni modelos (muñecos y plastilina) ni maquetas, sino que son objetos comunes
e incluso personas. Al igual que en el StopMotion Los objetos son fotografiados
repetidas veces y desplazados ligeramente entre cada fotografía. Figura 1.2
4- Rotoscopía:
Este tipo de animación consiste en dibujar directamente
sobre la referencia, por ejemplo sobre los cuadros de la filmación de una
persona real. Figura 1.6
En Blanca Nieves, la protagonista del primer
largometraje animado de Disney fue animada de esta forma.
Se le considera un precursor del "mocap" o
motion capture, nombre con el que se le conoce a la captura de movimiento por
ordenador utilizado para recrear personajes digitales en el cine, como por
ejemplo "Golum" de la trilogía "El Señor de los Anillos".
Existe cierto grado de controversia sobre si la
rotoscopía es una autentica animación y sobre su valor artístico como tal.
5- Animación
por Recortes ó Cut out Animation:
Técnica que usa figuras recortadas, ya sea papel o
fotografías. Los miembros del cuerpo de los personajes se construyen a base de
recortes. Figura 1.7
La animación se logra moviendo y reemplazando las
partes del cuerpo recortadas. Dentro de los primeros animadores en usar esta
técnica fue el argentino Quirino Cristiani, quien realizó el primer
largometraje animado de la historia llamado "El Apóstol".
6- Animación 3D:
En la animación en tres dimensiones un programa
editor permite realizar animaciones y simulación de texturas, iluminación,
movimiento de cámaras y efectos especiales.
Es una herramienta completa y maravillosa cuando el
animador que la maneja sabe dotar de alma a sus elementos. Figura 1,8
7- Otras Técnicas
- Existen muchas técnicas de animación que sólo han
sido utilizadas por unos y que son desconocidas para el gran público. Cada día
muchos animadores exploran y descubren más de ellas.
Entre estas se incluyen:
• Pintura sobre cristal. Figura1,9
• Animación de arena. Figura 2,0
• Pantalla de agujas. Figura 2.1
• Pintura sobre celuloide. Figura 2.2
Historia de la animación
Antes de hablar sobre la historia de la animación
debemos entender este concepto que tanto ha motivado a diversos artistas y
científicos para desarrollar sus inventos y técnicas hasta lo que ahora podemos
visualizar en distintos medios audiovisuales.
Etimológicamente la palabra animación proviene del
latín animatio que significa “aumento de la actividad y la energía”. Sus
componentes léxicos son: anima (respiración, principio vital, vida), más el
sufijo -ción(acción y efecto). Por lo que podemos concluir que la animación es
darle vida a “algo” para que realice una acción determinada, este “algo” puede
ser desde un dibujo hasta cualquier cosa que podamos imaginar, pero que podemos
catalogar de acuerdo a su técnica en dos grandes grupos, que son la animación
bidimensional y la animación tridimensional tanto análoga como digital.
Aquí vale hacer una aclaración, hoy en día una
animación podría realizarse totalmente con herramientas análogas como una
cámara réflex 35mm o una Súper 8, por ejemplo. Sin embargo, actualmente se
utilizan herramientas digitales tanto para la captura fotográfica como para la
postproducción por lo que la animación termina siendo digital.
Por otro lado, la historia de la animación nos
remonta a más de un siglo de antigüedad por lo que es pertinente dividir esta
historia en capítulos de acuerdo a cada técnica para entender su desarrollo e
incluso su metodología que podrán consultar en siguientes ediciones de la
revista.
El primer gran grupo es la animación bidimensional
en la que encontramos las técnicas de dibujo animado, animación con arena y
pintura, rotoscopía, animación con recorte y todas aquellas técnicas que
provienen del dibujo y de la pintura. Estas técnicas también podemos
encontrarlas en soportes digitales llamadas Digital Ink y Motion Graphics,
podemos entender a este último como una animación de recorte digital.
El segundo grupo corresponde a la animación
tridimensional también llamada stop motion, término acuñado por el cineasta
George Mèlié quien descubrió tras un accidente fílmico en el que se le atascó
la película de su cámara, que podía provocar la sensación de aparición y
desaparición al detener la película y sustituir al personaje, a este recurso en
animación se le conoce como sustitución. Como ejemplo de técnicas
tridimensionales tenemos a la animación con plastilina con y sin estructura; la
animación con marionetas; la pixilación y la animación con objetos. En cuanto a
soportes digitales contamos con el 3D y el motion capture.
El dibujo animado
Esta es una de las técnicas de animación más
antiguas, su comienzo data desde la producción de las cerámicas griegas que al
girarlas daban la sensación de movimiento. Posteriormente tras el
descubrimiento de la persistencia retiniana de Peter Mark Roget en 1824 se realizaron
números juguetes ópticos.
Uno de estos juguetes es el phenakistoscopio,
construido por primera vez en 1832 por Joseph Antoine Plateau que consistía en
una serie de dibujos con una fase de movimiento en bucle montados sobre un
disco que giraba independientemente de otro disco en el que, al mirar a través
de unas ranuras, se apreciaba el movimiento de las figuras pintadas sobre el
disco inferior. Figura 2,3
EL
PHENAKISTOSCOPIO DE JOSEPH ANTOINE PLATEAU
Tiempo después apareció el zootropo inventado por
William Lincoln en 1867, así como el parxinoscopio creado por Émile Reynaud en
1878, años más tarde esta creación se convertiría en el Teatro Óptico, el
primer aparato que podría proyectar en espacios públicos a color a través de
espejos y tiras de dibujo dentadas que anticiparán la película de Kodak. El kinescopio
se le debe a Alva Edison en 1891, constaba de una caja de la cual resbalaba un
rollo de fotografías a la velocidad de 46 imágenes por segundo iluminadas por
una lámpara incandescente. Esto trajo como consecuencia la invención del
cinematógrafo de los hermanos Lumière, con el que años más tarde, a algunos
pioneros de la animación se les ocurriría captar imágenes fotograma por
fotograma como consiguieron hacerlo George Mèlié, Segundo Aurelio de Chomón y
Ruíz, James Stuart Blackton, Émile Cohl, Winsor McCay, Earld Hurd, Pat
Sullivan, Otto Mesmer y Walt Disney por mencionar sólo a algunos. Figura 2,4
Desde sus inicios, los fondos se dibujaban
conjuntamente con los personajes lo cual traía grandes dificultades para la
animación. Al paso del tiempo, J. S. Blackton, perfeccionó la técnica
utilizando la superposición, en la que fotografiaba el fondo superponiendo
tantos dibujos de los personajes como fuera necesario a través de la doble
exposición de la película. En 1915, Earl Hurd comenzó a utilizar acetatos
transparentes para superponer la acción de los personajes con el fondo en una
sola toma.
Debido a que este proceso disminuyó los costos de
producción, fue la técnica con la que se produjo regularmente de forma
comercial, cuya industrialización comenzó con Walt Disney.
Aunque el dibujo animado tal como lo hicieron estos
pioneros de la animación parece haber caído en desuso, no es así, existen
muchos animadores que lo siguen utilizando tanto por sus cualidades estéticas o
para obtener un “borrador” llamado prueba de línea para después animarlo
mediante la técnica 3D digital o cualquier otra. Además, los animadores
actualmente suelen mezclar distintas técnicas tanto análogas como digitales
para lograr lo que hoy llamamos animación híbrida, que también mezcla distintos
discursos audiovisuales.
En 1937 Walt Disney cambió para siempre el mundo de
la animación con el lanzamiento de la película 'Blanca Nieves y los siete
enanitos'. Sin embargo, la historia de los dibujos animados se remonta a
finales del siglo XIX, y tuvo varias metamorfosis en las primeras décadas del
siglo XX con la llegada de los primeros personajes mundialmente famosos.
Figura 2,5
De 'Félix el Gato' a 'Betty Boop', pasando por los
'Looney Tunes' o los primeros trabajos de Disney, la era pre-Blanca Nieves
estaba llena de movimientos exagerados, situaciones estrambóticas y mucho
sentido del humor. Aquí tenemos un paseo visual con varios ejemplos en vídeo de
cómo fueron evolucionando los dibujos animados a principios del siglo pasado.
Figura 2,6
En 1896, el cineasta británico J. Stuart Blackton
fue enviado como reportero del New York Evening World a entrevistar a Thomas
Edison y hablar acerca de su último invento por aquella fecha, un proyector de
cine llamado Vitascopio. La entrevista la realizaron en la cabaña estudio de
Edison, donde el inventor grabó a Blackton haciendo dibujos sobre una pizarra.
En esta grabación, Blackton dibuja una cara con
varios elementos, y luego borra y cambia algunos haciendo que parezca el que
dibujo ha reaccionado. Se trata de una secuencia stop motion que, aunque no
está considerada como una animación en sí, fue en la primera en la que se
empezaron a ver las posibilidades de esta técnica.
El dibujante y animador francés Émile Cohl está
considerado como uno de los padres de los dibujos animados. Su leyenda cuenta
que en 1907, a los 50 años, se encontró el póster de una película que estaba
evidentemente sacado de uno de sus cómics. Tras hablar con el dueño del estudio
fue contratado como guionista, y así empezó a involucrarse cada vez más en el
mundo del cine. En 1908, Cohl creó Fantasmagorie, que es considerada la primera
película totalmente animada que se hizo en la historia.
La animación era bastante rudimentaria, y el tipo de
dibujo que se utilizaba también. Utilizó unas 700 ilustraciones, las cuales fue
poniendo encima de un cristal iluminado. Lo más interesante de todo es que los
dibujos parecían dibujados encima de una pizarra, aunque esto no era más que
una ilusión producida utilizando los negativos de los dibujos.
El historietista estadounidense Winsor McCay es uno
de los nombres más importantes de la historia del cómic con su clásico 'Little
Nemo in Slumberland'. En 1891 participó en una pequeña película muda llamada
Little Nemo, en la que se incluye un fragmento de pura animación a partir del
minuto ocho. En este fragmento podemos ver ya animación coloreada a base de ilustraciones
secuenciales. Huelga decir que McCay influenció enormemente a autores
posteriores, entre ellos el mismísimo Walt Disney.
En 1914 y después de visitar un museo, McCay se
apostó una cena a que podía hacer que los dinosaurios vivieran de nuevo. Lo
hizo con una animación compuesta por 10.000 dibujos hechos a mano en los que
estuvo trabajando durante seis meses, y el resultado final fue el film Gertie
the Dinosaur, una película que fue la primera en mezclar imagen real con animación.
Figura 2,7
En 1920, Otto Mesmer y el estudio Pat Sullivan
crearon el personaje de 'Félix el Gato'. Era un personaje del propio estudio,
por lo que la audiencia podía esperar ver más capítulos. Esto a su vez le daba
a Mesmer y sus compañeros la posibilidad de explorar el personaje y mejorar su
animación. Aunque había pasado relativamente poco tiempo desde que se empezó a
experimentar con la animación, Félix demostró lo rápido que estaba avanzando.
Además, este personaje se convirtió en el primer
dibujo animado que produjo merchandising, y el estudio Pat Sulliven se hizo de
oro con él. Lamentablemente, en aquella época era común que el crédito por el
personaje se lo llevase el estudio, por lo que su creador Messmer siguió
ganando su salario normal aunque el estudio ganase millones con su creación.
En 1922 se fundó la empresa Laugh-O-Gram Films,
Inc., dedicada a realizar cortometrajes animados basados en cuentos populares.
Sus fundadores, Walt Disney y Ub Iwerks, acababan de cerrar un poco antes un
estudio llamado Iwerks-Disney Commercial Artists, y el primer trabajo de su
nueva empresa se lanzó en 1923 con el título 'Alice's Wonderland'.
Era una sencilla mezcla de imagen real y animación
insertando textos entre medio para contar la historia. Sin embargo era sólo el
inicio del mito de un Walt Disney que empezó a consagrarse en 1928 con la
mítica 'Steamboat Willie', la tercera entrega de un nuevo personaje que acababa
de crear: Mickey Mouse.
Con un Disney que empezaba a coger fuerza y asentaba
a los personajes reconocibles y con personalidad, otros creadores empezaron a
seguir sus pasos. En 1930, Max Fleischer lanzaba otro de sus capítulos de
dibujos animados, en el que aparecía por primera vez un personaje llamado Betty
Boop. En él podemos ver cómo evoluciona el sector con unos dibujos que ahora
tienen voces y música. Figura 2,8
Este capítulo, y los que siguieron a la saga de
Betty Boop en los siguientes años como el 'Snow White' de 1933 eran un buen
ejemplo de cómo eran los dibujos animados pre-Disney, con una animación bonita
y alegre que no se preocupaba de ser realista. Todos los personajes se estaban
moviendo de manera continua, y sus gestos eran exagerados y graciosos.
En 1930, dos ex-Disney llamados Hugh Harman y Rudolf
Ising emitieron el primer capítulo de una nueva saga de dibujos animados a la
que llamaron 'Looney Tunes'. Estaban protagonizados por un personaje llamado
'Bosko', que aunque no pudo igualar la popularidad de Mickey Mouse o Betty Boop
fue muy conocido en aquella época.
Figura 2,9
En 1933 (otra vez), se abrieron los estudios Leon
Schlesinger Productions, donde se dio continuidad a los Looney Tunes y su saga
hermana, Merrie Melodies. Esta segunda saga creó en 1935 al personaje del
'Puerco Porky'. En un capítulo de este personaje titulado 'Porky's Hare Hunt'
ydirigido por Ben "Bugs" Hardaway en 1938 se incluyó por primera vez
a otro de los personajes que lo cambiaría todo: 'Bugs Bunny'. Figura 3.0
Esta década de los años treinta está considerada
como una era dorada de la animación estadounidense, ya que como hemos visto en
ella nacieron algunos de los personajes míticos que siguen estando presentes en
nuestros días. Además, también fue la década en la que Walt Disney dio ese
salto cualitativo con el que cambió para siempre el mundo de la animación.
Lo hizo en 1937 con el que está considerado el
primer largometraje animado, el de 'Blanca Nieves y los siete enanitos'. La
película no sólo es la culminación de una década de avances en la animación,
sino que se atrevió a introducir un enorme realismo lejos de las exageraciones
en los movimientos del resto de dibujos de la época.
Stop motion
Es un recurso usado en animación que consiste en
dotar de movimiento a objetos estáticos mediante una sucesión de imágenes
fijas. Requiere mucho trabajo y paciencia, pues se realiza fotograma a
fotograma, con pequeños cambios de figuras o materiales maleables como
plastilina, recortes de papel y arena.
Entre sus pioneros se encuentra el español Segundo
de Chomón, autor de las películas La
casa encantada (1906) y El hotel eléctrico (1908). En Estados Unidos, Willis
O’Brien usó este sistema en King Kong (1933), cuyos hallazgos seguiría, por
ejemplo, Ray Harryhausen (1920-2013), considerado un genio de los efectos especiales.
Figura 3,1
En los 70 se inventó la variante go motion, en la
que las fotos se hacen a objetos en movimiento, leve distorsión que añade
realismo a la escena. Se empleó por primera vez en El imperio contraataca
(1980). Posteriormente, Tim Burton revivindicaría la técnica stop motion con
Pesadilla antes de Navidad (1993), La novia cadáver (2005) y Frankenweenie
(2012).figura 3,2
Los estudios británicos Aardman también han
cosechado éxitos como La oveja Shaun, serie y película (ver foto). La
aportación española tiene un interesante ejemplo en el largometraje O Apóstolo
(2012), que gozó de gran repercusión internacional.
Stop Motion o cuadro por cuadro, es una técnica de
animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos
capturando fotografías.
Se divide en dos grandes grupos de animaciones : la
animación con plastilina o cualquier otro material maleable (claymation) y las
animaciones utilizando objetos rígidos. Permite trabajar con todo tipo de
objetos tridimensionales: muñecos articulados, modelos de metal, plastilina,
tela o látex; también con recortes, muebles o comida.
El trabajo de esta técnica requiere siempre de una
cámara de vídeo, de cine o de fotografía, además de una gran paciencia. Es un
proceso que generalmente se debe realizar en estudio o en un espacio cerrado y
nada se debe mover a menos que el animador lo desee incluyendo la cámaras,
luces y escenografía.
Evolución Histórica
La historia de Stop Motion se centra en la
cinematografía, uno de las personas reconocidas en utilizar esta técnica fue
Georges Meliés para la película "El viaje a la luna ", donde hace una
toma en la que para la grabación de la luna y en la siguiente secuencia
insertar un cohete, a esto se le llamo el truco de la sustitución.
Posteriormente se comenzó a hacer animación con tizas sobre tablero de
caricaturas de personajes en una película llamada “ Fases humorísticas de caras
chistosas” esta técnica la desarrollo el caricaturista Stuart Blackton , quien
primero capturaba cuadro a cuadro los procesos de la realización de sus caricaturas.
Figura 3,3
El gran comienzo de esta técnica fue a través de la
película llamada "El hotel encantado", se uso el cuadro a cuadro
gracias a una adaptación de las cámaras de cine de la Vitagraph que permitía
capturar imágenes.
Esta técnica fue desarrollada en sus inicios por
Emille Cohl quien también es considerado como el padre de los dibujos animados
y especialmente por un animador ruso llamado Wladyslaw Starewicz, un aficionado
a la entomología, que animaba insectos colocándoles diminutas estructuras.
Luego aparecieron las primeras secuencias animadas
con clay , en la película de Dave Fleischer “Fuera del tintero”, aquí se
modelaba un personaje cuya nariz cobraba vida mágicamente, además de ser una de
las primeras películas en las que aparece la técnica de la rotoscopia inventada
a su vez por los hermanos Fleischer, pero esta técnica quedo estancada por un
buen tiempo debido al auge de los dibujos animados, hasta que apareció el
norteamericano Art Clokey, quien creo a Gumby un muñeco de plastilina que
protagonizo mas de 127 cortos y se convirtió en un personaje comercial de los
50 y 60. Las escenografias eran sencillas y usaban objetos cotidianos. Después
de los 70 quien domino la técnica fue Will Vinton quien llamó Claymation,
caracterizada por la exageración.
Diferencias entre de Stop motion y el dibujo animado (animado
tradicional)
1. En el Stop Motion no existen extremos ni
intermedios, cuando el animador de esta técnica se enfrenta al personaje o la
situación a animar, parte de una posición inicial, pero nunca se sabe en que
lugar exacto estará la siguiente posición, dando pie a una continua
experimentación.
2. No existe una prueba de línea, lo más cercano son
cuadros fijos o una grabación de imagen real como referencia.
3. El rodaje es similar al de la imagen real y la
luz es fundamental.
4. Es un trabajo mucho mas individual que el de los
dibujos animados.
5. Las correcciones son mucho mas complicadas que el
caso de los dibujos animados
Figura 3,4
Opciones del Stop motion
Clay animation
Animación con masas o muñecos tridimensionales
transformables hechos con arcilla o plastilina. Dentro del clay animation
existen varias opciones:
La animación en relieve, sobre vidrio. Técnica donde
la gravedad actúa de manera similar a la del dibujo, los personajes pueden
volar, saltar o moverse sin necesitar de estructuras. La cámara se maneja en posición
vertical como el rostrum del dibujo animado tradicional y las estenografías
pueden ser montadas de manera similar a un multiplano. Ejemplo rex the runt, o
el niño anatómico.
Strata cut animation. Técnica que utiliza masas de
plastilina. Un ejemplo de esta técnica es el segmento del video “Big time”
elaborado por Peter Gabriel. Consiste en capturar fotografías con una cámara, a
medida que se va cambiando ligeramente la forma de los objetos maleables.
Clay painting. Esta es una técnica en la que se esparce
o pinta cuadro a cuadro con plastilina, dando una apariencia similar del óleo
acompañada de una gran fluidez visual en la animación. Uno de los ejemplos de
esta técnica es un segmento “El principito” dirigido por Will Vinton y animado
por Joan Gratz o el comercial de “Coca cola” de Vinton.
